¿Que significa ver una película de Wes Anderson?

Por Sara Perval

Cientos de directores pueden contar la historia de un lobby boy que se convirtió en el dueño de un prestigioso hotel, pero solo hay un director que utilizaría el storytelling a su favor para contar la misma historia empezando con la sencilla caminata de una chica cualquiera que se acerca a un monumento dedicado a un escritor, que escribió la historia del dueño del Gran Hotel Budapest, quien inició siendo un lobby boy.

Se trata del peculiar director Wes Anderson, la cabeza creativa detrás de artísticas obras cinematográficas como Isla de Perros, El Fantástico Señor Fox, Moonrise Kingdom, El Gran Hotel Budapest, entre muchas otras que han sido nominadas a varios premios, llevándose algunos de ellos bien merecidos.

Cualquier espectador de su trabajo puede notar que existen peculiaridades únicas de las películas que crea este asombroso director. Y a pesar de que es imposible no encontrar la huella de Anderson en cada frame de su filmografía entera, no es tan sencillo especificar cuáles son esos elementos que lo hacen tan especial así como es fácil sentirlos.

Desde los primeros trabajos noventeros de Wes Anderson es posible encontrar una interesante simetría en la composición de la fotografía. A diferencia de las composiciones clásicas del cine de Hollywood en las que se intenta hacer ver la escena lo más natural posible, Anderson genera encuadres relativamente planos y fijos que se sienten como una escenografía teatral, con cada objeto en su lugar fijo como una pintura renacentista si tuviera el orden del cubismo. Añade a esto su gusto por colocar a sus personajes en el centro, figurando un punto de fuga en múltiples de sus escenas. A este tipo de composición se le llama Planimetric composition, puesto que la cámara es colocada perpendicularmente a los elementos en la escena haciéndolos lucir bidimensionales. 

Complementando esta composición tan equilibrada que podría ser llamada perfecta, está algo llamado Compass point editing, es decir un movimiento de cámara que suele moverse en ángulos de 90 grados manteniendo su composición. Es decir, la cámara localizada en el centro haciendo un paneo. 

El balance en la estética de Wes Anderson también es encontrable en los colores. No todas sus películas utilizan la misma paleta de colores, pero sí suele inclinarse por tonos cálidos y amarillos, aunque siempre hace elección de una paleta específica para cada filme, lo cual hace que cada una tenga características únicas.

Estos elementos fortalecen la peculiar estrategia de storytelling de la que hablábamos al inicio. Es parte del estilo del director no solo contar su historia, sino mostrar a alguien contándola. Es decir, utilizando narradores así como en El Gran Hotel Budapest. Por ejemplo Rushmore, uno de sus primeros grandes éxitos, utiliza elementos visuales como cortinas de teatro para separar algunas escenas y actos de la historia. Thomas Flight (2022) define esta estrategia como un Naturalismo presente en la narrativa. En Moonrise Kingdom hay un narrador omnisciente que también está presente en el espacio donde se llevan a cabo los hechos de la historia.

Wes Anderson es un joven director de esta nueva época del cine que definitivamente ha utilizado no solo estos, sino aún más elementos para definir su estilo como la cinematografía, los vestuarios de cada personaje, el arte, montaje, entre un largo etcétera.

Este año, el cineasta tiene dos proyectos agendados: Asteroid City y The Wonderful Story of Henry Sugar. No se puede poner en duda que el director dejará muy marcado su estilo en ambas películas.

Referencias

Wikipedia. (2023, 30 de enero). The Grand Budapest Hotel. Wikipedia.org. https://en.wikipedia.org/wiki/The_Grand_Budapest_Hotel

Marley, F. (2022, 26 de marzo). The Cinematic Style of Wes Anderson. Making Waves Film Festival. https://makingwavesfilmfestival.com/the-cinematic-style-of-wes-anderson/

Animation Magazine. (2023, 23 de enero). Both Wes Anderson’s 2023 Movies Will Include Animation.  https://www.animationmagazine.net/2023/01/both-wes-andersons-2023-movies-will-include-animation/

Tomas Flight. (9 de octubre de 2020). Why Do Wes Anderson Movies Look Like That? YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=ba3c9KEuQ4A

Restos de un antiguo San Luis

Por Sara Perval

Toda ciudad cuenta con letreros en cada calle para poder identificar el nombre de estas. Que la calle Carranza, Avenida Universidad, Himno Nacional, entre muchas otras.

Una peculiaridad de las calles del centro histórico de San Luis Potosí, es que los actuales nombres de las calles suelen ir acompañados por un pequeño letrero que nos recuerda el nombre que esa calle tuvo décadas o incluso siglos atrás.

Estos son algunos de los muchos que pueden ser encontrados por peatones en las viejas calles de la ciudad.

Una invernal neblina poblana

Por Sara Perval

Un espectáculo de la intermitente neblina es lo que recibirá a cada visitante que cruce su camino en Zacatlán de las manzanas y en Honey, Puebla. Tanto en el centro de los pueblos como en las extremidades de la naturaleza es posible apreciar esta maravilla representativa del estado.

Cléo de 5 a 7 y el existencialismo femenino en el cine

Por Sara Perval

Una mujer francesa preocupada por una posible enfermedad va observando lo que pasa a su alrededor mientras da un paseo por París… parece una historia simple, pero Agnès Varda logró convertirla en una película clásica del existencialismo francés de los 60’s, digna de ser denominada como precursora de un existencialismo femenino: cuestionarse el papel que una tiene durante lo dolorosa que puede ser la existencia, así como llegar a la realización de quiénes somos y por qué lo somos.

Esta es Cléo de 5 a 7, película de 1962 que muestra un día lleno de angustia en la vida de Cléo, una joven cantante en la espera de sus resultados médicos para saber si tiene cáncer. Después de irse a leer las cartas del tarot, la angustia y el miedo a la muerte agobian aún más a la artista, generando una crisis en su cabeza desde que se ve en el espejo y siente cómo su vida entera y su razón de existir han cambiado.

Durante la película, vemos a Cléo durante ese día de su vida observando lo que ocurre a su alrededor: las personas paseando, magos haciendo trucos por unas monedas en las calles, accidentes automovilísticos, clases de pintura, entre muchas otras cosas. Pero no es únicamente seguirla en un día angustiante de su vida, sino sentir la angustia con ella. Cléo connota cómo sin su belleza y carisma deja de sentirse ella, y cómo le frustra que personas a su alrededor no la tomen en serio ni a ella o a su enfermedad por su cualidad de mujer.

Por medio del lenguaje cinematográfico de fotografía y simbolismo, Agnès Varda ha logrado transmitir lo melancólico que puede ser existir. Y es que desde mediados del siglo pasado hasta el cine actual, ha aumentado la representación del nacimiento de un pensamiento existencialista en las mujeres. La melancolía y la frustración por la realidad acompañadas por una aparente soledad también se ven en personajes creados por directoras de estas últimas décadas como Sofia Coppola, Céline Sciamma o Greta Gerwig. Directoras y escritoras como ellas han dado espacio a películas en las que hay una verdadera construcción de personajes femeninos vistos desde las mismas mujeres, logrando que la voz y presencia de las mujeres tenga su lugar en el cine. 

Desde abajo

Por Sara Perval

Una pequeña mirada a algunos de los edificios más populares del Centro de San Luis vistos desde la perspectiva peatonal.

Espacios históricos por los que las potosinas y potosinos solemos caminar seguido, dando un recorrido a través de lo grande que es la historia desde lo pequeños que somos.

UCEM llega a la Feria Vocacional del Colegio Hispano Inglés

Por Sara Perval

Coordinadores de licenciaturas en la Universidad del Centro de México tuvieron participación en la Feria Vocacional del Colegio Hispano Inglés la mañana del viernes 18 de noviembre.

El evento fue un conjunto de talleres y conferencias dirigidas a las y los estudiantes de preparatoria, con la intención de abonar a las generaciones sobre su futuro profesional y las distintas posibilidades que tienen en universidades potosinas.

La coordinadora de la licenciatura en Ciencias de la Comunicación Mtra. Yulieth Delgado Sánchez, impartió la conferencia El mundo y yo como apertura del evento. De igual forma dio el taller Radio y Creatividad a estudiantes interesadas en la carrera de comunicación, en donde realizaron una escaleta de programa de radio.

La coordinadora de la Licenciatura en Administración y Gestión de Empresas Mtra. Ma. de Jesús Castillo Rodríguez impartió de igual forma la plática Finanzas y Productividad, donde se les explicó a los jóvenes las importancia de una adecuada administración en las empresas y en la vida cotidiana. De igual forma, en representación de la coordinación de la Licenciatura en Derecho la Licenciada Beatriz de la Fuente impartió a los estudiantes el taller llamado Análisis de casos.

Este evento es uno de los muchos en los que la Universidad del Centro de México está presente, impulsando a jóvenes de todas las edades a acercarse a aquellas actividades que les gusta realizar y encaminar su futuro.

Pedazos de antes sobre el hoy

Por Sara Perval

El Centro Histórico de San Luis Potosí es como un pasillo a través del tiempo. En él es se puede apreciar la arquitectura de cantera que tienen los edificios y las casas, a la vez que se aprecian elementos únicos de la época posmoderna que el siglo XXI ha hecho tan comunes en nuestras vidas diarias.

Este conjunto de fotografías es una muestra de los contrastes que cualquier persona puede encontrarse al caminar por las tantas calles del centro.

Las seis fotografías muestran diferentes contrapuntos sobre lo viejo y lo nuevo. Lo normal que es encontrar letreros modernos, cámaras de seguridad, semáforos y tiendas frente a paredes que han vivido más que cualquier persona pasando sobre la acera.

Ir al centro histórico es hacer un viaje en el tiempo sin siquiera darnos cuenta.

Better Call Saul: una dramática obra de arte en forma de serie

Por Sara Perval

Utilizar un termo de café, el tapón de una botella de tequila o una colonia entera de hormigas sobre un cono de helado como elementos inevitables para contar la historia de un abogado corrupto y conseguir generar emociones y seguimiento a la narrativa en la audiencia es algo que Vince Gilligan y Peter Gould han logrado con su obra de arte Better Call Saul, serie de Sony Pictures Television que desafortunadamente llegó a su final este 2022.

¿Cómo es esto posible? La relación entre objetos que parecen tan banalmente cotidianos e inocentes con una tragedia de humor negro parece imposible, pero el storytelling visual que esta serie maneja la convierte en uno de los mejores trabajos televisivos de esta época, incluso tal vez mejor que su precursora Breaking Bad. He aquí el porqué.

En 2013 la televisión presenciaba los últimos negocios de Heisenberg y Jesse Pinkman, así como su inevitable caída durante la emisión de la última temporada de la serie de AMC Breaking Bad. El mismo año, mientras la audiencia entera se preguntaba qué ocurriría con los personajes de este drama criminal, el mismo creador Vince Gilligan anunció el desarrollo de una precuela llamada Better Call Saul, la cual fue estrenada el año siguiente.

Desde el primer episodio vemos en blanco y negro lo que es del corrupto y cómico abogado después de verse obligado a cambiar de identidad en una nueva ciudad, trabajando tiempo completo en una franquicia de Cinnabon y pasando desapercibido por el mundo entero. En paralelo, lo vemos extrañar con cierta nostalgia aquél exitoso pasado. Entonces comienza la historia de Jimmy McGill, el verdadero nombre del abogado Saul Goodman.

Los elementos que Gilligan y Gould utilizan para contar esta historia van mucho más allá del diálogo. Ellos logran construir una historia de manera que la audiencia se da cuenta de lo que ocurre, de las emociones de cada personaje y la importancia de algunos momentos por medio de un peculiar lenguaje visual (Flight, 2022). En el inicio de la serie, después de que Jimmy es una vez más despreciado por HHM, el buffet de abogados de su apreciado hermano Chuck, se observa cómo el protagonista libera su coraje destruyendo a patadas un bote de basura. La peculiaridad de esta acción está en que el basurero fue colocado antes en primer plano, donde se ve golpeado y lleno de abolladuras. Jimmy ya lo había golpeado con coraje antes; Jimmy ya había sido despreciado por el soberbio grupo de abogados antes (Flight, 2022).

El espectador logra descubrir qué es lo que está pasando únicamente prestando atención a los objetos enfocados, sin necesidad de diálogos o explicaciones.

Son incontables los momentos en los que los creadores de la serie utilizan esto. Ningún elemento en escena existe sin tener una función o una razón para estar ahí. Otro ejemplo es cuando Kim Wexler lanza las botellas de cerveza junto con Jimmy después de su evidente pero no explícita incomodidad con su trabajo en Mesa Verde. La cámara enfoca la botella de cerveza en varias ocasiones, así como la expresión facial de Kim, por lo que el espectador comienza a preguntarse la razón detrás de esto. ¿Observa la botella de esa forma porque siente que se caerá?, ¿Utilizará la botella para algo en el futuro?

Efectivamente, la usa para lanzarla y dejar un desastre de cristales rotos en la calle. Curiosamente, a la mañana siguiente ella y Jimmy notan los cristales rotos sobre el pavimento, y es Kim quien los recoge al instante que su pareja se va. Es evidente para la audiencia que la frustración de Kim la lleva a actuar con coraje, pero sin dejar de recoger los platos rotos (Flight, 2022). 

El termo que Kim le regala a Jimmy y que termina atravesado por una bala en el cesto de basura, la tapa de la botella de tequila que ambos comparten en su primera “estafa”… son objetos tal vez sin importancia para la trama, pero indispensables para mostrar la historia en lugar de contarla con palabras. 

Junto con las actuaciones y expresiones faciales de los actores en la serie, el storytelling visual que los creadores utilizan para contar la tragedia de Saul Goodman se convierte en una forma de construir la historia de manera que la audiencia vea qué es importante así como lo que cada personaje siente en lugar de que se le explique por medio de un diálogo (Flight, 2022). Es mostrar la perspectiva de cada personaje sin necesidad de un POV, utilizando planos fotográficos únicos y objetos banales que cuentan con un significado narrativo (Flight, 2022).

A pesar de que su precursora, Breaking Bad, también utiliza elementos similares para contar la historia, Vince Gilligan y Peter Gould han hecho un mejor uso de estos en la precuela Better Call Saul. Planos abiertos que generan la sensación de dos mundos colapsando, aún cuando el objeto en primer plano es una taza de café.

Es por ello que la serie se convierte en una obra de arte narrativa, la cual no puedes ver distrayéndose ni un poco sin perder elementos importantes en pantalla. 

Referencias

Flight T. (2022, Agosto 5). Better Call Saul Did It Better [Video]. YouTube, https://www.youtube.com/watch?v=obIWs9p0boE&t=939s