¿Que significa ver una película de Wes Anderson?

Por Sara Perval

Cientos de directores pueden contar la historia de un lobby boy que se convirtió en el dueño de un prestigioso hotel, pero solo hay un director que utilizaría el storytelling a su favor para contar la misma historia empezando con la sencilla caminata de una chica cualquiera que se acerca a un monumento dedicado a un escritor, que escribió la historia del dueño del Gran Hotel Budapest, quien inició siendo un lobby boy.

Se trata del peculiar director Wes Anderson, la cabeza creativa detrás de artísticas obras cinematográficas como Isla de Perros, El Fantástico Señor Fox, Moonrise Kingdom, El Gran Hotel Budapest, entre muchas otras que han sido nominadas a varios premios, llevándose algunos de ellos bien merecidos.

Cualquier espectador de su trabajo puede notar que existen peculiaridades únicas de las películas que crea este asombroso director. Y a pesar de que es imposible no encontrar la huella de Anderson en cada frame de su filmografía entera, no es tan sencillo especificar cuáles son esos elementos que lo hacen tan especial así como es fácil sentirlos.

Desde los primeros trabajos noventeros de Wes Anderson es posible encontrar una interesante simetría en la composición de la fotografía. A diferencia de las composiciones clásicas del cine de Hollywood en las que se intenta hacer ver la escena lo más natural posible, Anderson genera encuadres relativamente planos y fijos que se sienten como una escenografía teatral, con cada objeto en su lugar fijo como una pintura renacentista si tuviera el orden del cubismo. Añade a esto su gusto por colocar a sus personajes en el centro, figurando un punto de fuga en múltiples de sus escenas. A este tipo de composición se le llama Planimetric composition, puesto que la cámara es colocada perpendicularmente a los elementos en la escena haciéndolos lucir bidimensionales. 

Complementando esta composición tan equilibrada que podría ser llamada perfecta, está algo llamado Compass point editing, es decir un movimiento de cámara que suele moverse en ángulos de 90 grados manteniendo su composición. Es decir, la cámara localizada en el centro haciendo un paneo. 

El balance en la estética de Wes Anderson también es encontrable en los colores. No todas sus películas utilizan la misma paleta de colores, pero sí suele inclinarse por tonos cálidos y amarillos, aunque siempre hace elección de una paleta específica para cada filme, lo cual hace que cada una tenga características únicas.

Estos elementos fortalecen la peculiar estrategia de storytelling de la que hablábamos al inicio. Es parte del estilo del director no solo contar su historia, sino mostrar a alguien contándola. Es decir, utilizando narradores así como en El Gran Hotel Budapest. Por ejemplo Rushmore, uno de sus primeros grandes éxitos, utiliza elementos visuales como cortinas de teatro para separar algunas escenas y actos de la historia. Thomas Flight (2022) define esta estrategia como un Naturalismo presente en la narrativa. En Moonrise Kingdom hay un narrador omnisciente que también está presente en el espacio donde se llevan a cabo los hechos de la historia.

Wes Anderson es un joven director de esta nueva época del cine que definitivamente ha utilizado no solo estos, sino aún más elementos para definir su estilo como la cinematografía, los vestuarios de cada personaje, el arte, montaje, entre un largo etcétera.

Este año, el cineasta tiene dos proyectos agendados: Asteroid City y The Wonderful Story of Henry Sugar. No se puede poner en duda que el director dejará muy marcado su estilo en ambas películas.

Referencias

Wikipedia. (2023, 30 de enero). The Grand Budapest Hotel. Wikipedia.org. https://en.wikipedia.org/wiki/The_Grand_Budapest_Hotel

Marley, F. (2022, 26 de marzo). The Cinematic Style of Wes Anderson. Making Waves Film Festival. https://makingwavesfilmfestival.com/the-cinematic-style-of-wes-anderson/

Animation Magazine. (2023, 23 de enero). Both Wes Anderson’s 2023 Movies Will Include Animation.  https://www.animationmagazine.net/2023/01/both-wes-andersons-2023-movies-will-include-animation/

Tomas Flight. (9 de octubre de 2020). Why Do Wes Anderson Movies Look Like That? YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=ba3c9KEuQ4A

Cléo de 5 a 7 y el existencialismo femenino en el cine

Por Sara Perval

Una mujer francesa preocupada por una posible enfermedad va observando lo que pasa a su alrededor mientras da un paseo por París… parece una historia simple, pero Agnès Varda logró convertirla en una película clásica del existencialismo francés de los 60’s, digna de ser denominada como precursora de un existencialismo femenino: cuestionarse el papel que una tiene durante lo dolorosa que puede ser la existencia, así como llegar a la realización de quiénes somos y por qué lo somos.

Esta es Cléo de 5 a 7, película de 1962 que muestra un día lleno de angustia en la vida de Cléo, una joven cantante en la espera de sus resultados médicos para saber si tiene cáncer. Después de irse a leer las cartas del tarot, la angustia y el miedo a la muerte agobian aún más a la artista, generando una crisis en su cabeza desde que se ve en el espejo y siente cómo su vida entera y su razón de existir han cambiado.

Durante la película, vemos a Cléo durante ese día de su vida observando lo que ocurre a su alrededor: las personas paseando, magos haciendo trucos por unas monedas en las calles, accidentes automovilísticos, clases de pintura, entre muchas otras cosas. Pero no es únicamente seguirla en un día angustiante de su vida, sino sentir la angustia con ella. Cléo connota cómo sin su belleza y carisma deja de sentirse ella, y cómo le frustra que personas a su alrededor no la tomen en serio ni a ella o a su enfermedad por su cualidad de mujer.

Por medio del lenguaje cinematográfico de fotografía y simbolismo, Agnès Varda ha logrado transmitir lo melancólico que puede ser existir. Y es que desde mediados del siglo pasado hasta el cine actual, ha aumentado la representación del nacimiento de un pensamiento existencialista en las mujeres. La melancolía y la frustración por la realidad acompañadas por una aparente soledad también se ven en personajes creados por directoras de estas últimas décadas como Sofia Coppola, Céline Sciamma o Greta Gerwig. Directoras y escritoras como ellas han dado espacio a películas en las que hay una verdadera construcción de personajes femeninos vistos desde las mismas mujeres, logrando que la voz y presencia de las mujeres tenga su lugar en el cine. 

Better Call Saul: una dramática obra de arte en forma de serie

Por Sara Perval

Utilizar un termo de café, el tapón de una botella de tequila o una colonia entera de hormigas sobre un cono de helado como elementos inevitables para contar la historia de un abogado corrupto y conseguir generar emociones y seguimiento a la narrativa en la audiencia es algo que Vince Gilligan y Peter Gould han logrado con su obra de arte Better Call Saul, serie de Sony Pictures Television que desafortunadamente llegó a su final este 2022.

¿Cómo es esto posible? La relación entre objetos que parecen tan banalmente cotidianos e inocentes con una tragedia de humor negro parece imposible, pero el storytelling visual que esta serie maneja la convierte en uno de los mejores trabajos televisivos de esta época, incluso tal vez mejor que su precursora Breaking Bad. He aquí el porqué.

En 2013 la televisión presenciaba los últimos negocios de Heisenberg y Jesse Pinkman, así como su inevitable caída durante la emisión de la última temporada de la serie de AMC Breaking Bad. El mismo año, mientras la audiencia entera se preguntaba qué ocurriría con los personajes de este drama criminal, el mismo creador Vince Gilligan anunció el desarrollo de una precuela llamada Better Call Saul, la cual fue estrenada el año siguiente.

Desde el primer episodio vemos en blanco y negro lo que es del corrupto y cómico abogado después de verse obligado a cambiar de identidad en una nueva ciudad, trabajando tiempo completo en una franquicia de Cinnabon y pasando desapercibido por el mundo entero. En paralelo, lo vemos extrañar con cierta nostalgia aquél exitoso pasado. Entonces comienza la historia de Jimmy McGill, el verdadero nombre del abogado Saul Goodman.

Los elementos que Gilligan y Gould utilizan para contar esta historia van mucho más allá del diálogo. Ellos logran construir una historia de manera que la audiencia se da cuenta de lo que ocurre, de las emociones de cada personaje y la importancia de algunos momentos por medio de un peculiar lenguaje visual (Flight, 2022). En el inicio de la serie, después de que Jimmy es una vez más despreciado por HHM, el buffet de abogados de su apreciado hermano Chuck, se observa cómo el protagonista libera su coraje destruyendo a patadas un bote de basura. La peculiaridad de esta acción está en que el basurero fue colocado antes en primer plano, donde se ve golpeado y lleno de abolladuras. Jimmy ya lo había golpeado con coraje antes; Jimmy ya había sido despreciado por el soberbio grupo de abogados antes (Flight, 2022).

El espectador logra descubrir qué es lo que está pasando únicamente prestando atención a los objetos enfocados, sin necesidad de diálogos o explicaciones.

Son incontables los momentos en los que los creadores de la serie utilizan esto. Ningún elemento en escena existe sin tener una función o una razón para estar ahí. Otro ejemplo es cuando Kim Wexler lanza las botellas de cerveza junto con Jimmy después de su evidente pero no explícita incomodidad con su trabajo en Mesa Verde. La cámara enfoca la botella de cerveza en varias ocasiones, así como la expresión facial de Kim, por lo que el espectador comienza a preguntarse la razón detrás de esto. ¿Observa la botella de esa forma porque siente que se caerá?, ¿Utilizará la botella para algo en el futuro?

Efectivamente, la usa para lanzarla y dejar un desastre de cristales rotos en la calle. Curiosamente, a la mañana siguiente ella y Jimmy notan los cristales rotos sobre el pavimento, y es Kim quien los recoge al instante que su pareja se va. Es evidente para la audiencia que la frustración de Kim la lleva a actuar con coraje, pero sin dejar de recoger los platos rotos (Flight, 2022). 

El termo que Kim le regala a Jimmy y que termina atravesado por una bala en el cesto de basura, la tapa de la botella de tequila que ambos comparten en su primera “estafa”… son objetos tal vez sin importancia para la trama, pero indispensables para mostrar la historia en lugar de contarla con palabras. 

Junto con las actuaciones y expresiones faciales de los actores en la serie, el storytelling visual que los creadores utilizan para contar la tragedia de Saul Goodman se convierte en una forma de construir la historia de manera que la audiencia vea qué es importante así como lo que cada personaje siente en lugar de que se le explique por medio de un diálogo (Flight, 2022). Es mostrar la perspectiva de cada personaje sin necesidad de un POV, utilizando planos fotográficos únicos y objetos banales que cuentan con un significado narrativo (Flight, 2022).

A pesar de que su precursora, Breaking Bad, también utiliza elementos similares para contar la historia, Vince Gilligan y Peter Gould han hecho un mejor uso de estos en la precuela Better Call Saul. Planos abiertos que generan la sensación de dos mundos colapsando, aún cuando el objeto en primer plano es una taza de café.

Es por ello que la serie se convierte en una obra de arte narrativa, la cual no puedes ver distrayéndose ni un poco sin perder elementos importantes en pantalla. 

Referencias

Flight T. (2022, Agosto 5). Better Call Saul Did It Better [Video]. YouTube, https://www.youtube.com/watch?v=obIWs9p0boE&t=939s

¿Por qué tanta polémica con el color de piel de personajes?

Por Sara Perval

“Querido HBO Max, me acabo de enterar de que tienen la intención de hacer una historia de origen cómico de Judy Jetson que cambia el género. Cuando escuché que esta nueva versión no sería ‘alocadamente sobre chicos’, la única palabra que tenía para describir mi disgusto es ‘¡Jinkies!’. Si hay algo en lo que internet no está de acuerdo, es que nunca debes cambiar nada”.

Este es el manifesto con el que hace su entrada la famosa Velma Dinkley, cabeza de Misterio a la Orden y protagonista de la futura serie de HBO homónima: Velma. De una forma muy directa, este supuesto mensaje de texto es una forma de responder a los miles de comentarios racistas que han volado en internet desde 2021 que se anunció no solo el spin-off de la famosa caricatura Scooby Doo, sino también que el personaje de Velma es proveniente del sur de Asia, probablemente de la India.

Los comentarios que inundaron en internet no son nada nuevo para la época actual, en la que los remakes o spinn-off basados en clásicos de la televisión y el cine se vuelven más incluyentes al añadir personajes afroamericanos o con nacionalidades distintas. Además de la serie Velma, está el polémico caso del remake de La Sirenita, que será protagonizado por la actriz afroamericana Halle Bailey, o la situación con Anna Diop interpretando a Starfire en el live action de Los Jóvenes Titanes. 

Pero, ¿cuál es la gran molestia de los usuarios ante estos cambios? Se menciona constantemente que “no se respeta la imagen y caracterización original de los personajes”, o que es una “inclusión forzada”. Usuarios furiosos han realizado incluso burlas ante los personajes incluso antes de dar una oportunidad al contenido para saber si el personaje o las actuaciones son de su agrado. Contrario a lo que dice Velma, es como si los usuarios pretendieran mantener las cosas sin cambios en un mundo que, irónicamente, está en un constante y gigante cambio.

Es sabido que a lo largo de la historia del cine y la televisión, el colorismo y el racismo ha abundado en sus variadas formas. Desde los años 20’s, cuando era normalizado hacer constante burla a las personas afroamericanas en las caricturas, hasta todavía las últimas décadas, donde se ha dejado fuera a personajes no blancos, incluso que se les ha limitado a tener papeles secundarios o siguiendo estereotipos despectivos de delincuentes o amas de casa con carácter rudo. Al colocar sobre la mesa los verdaderos resultados de incluir personajes de origen afroamericano sin estereotipos ofensivos, nos encontramos con una identificación sobre los personajes mucho más diversa de lo que era antes, donde los grandes protagonistas, guerreros, princesas, líderes y demás se limitaban a personificaciones blancas incluso cuando gran parte de la audiencia no es blanca. Se trata de generar contenido cada vez más diverso, porque vivimos en un mundo que día con día genera  una globalización cultural inmensa. Una sociedad sin cambios es una sociedad estancada.

Esta situación ocurre similarmente con personajes de origen asiático, latino o de Medio Oriente, y continuar incluyéndoles en contenido tanto para el cine como para plataformas de streaming permite que desaparezca cada vez más esa dominancia blanca que ha abundado por décadas. Generar una cultura global de inclusión es un resultado más grande y posiutivo que la simple inconformidad de usuarios ante un personaje que no se parece al “original”.

Reafirmando la frase de Velma: “Si hay algo en lo que internet no está de acuerdo, es que nunca debes cambiar nada”.