La Av. Venustiano Carranza cuenta con diversas casas las cuales tienen muchos años de antigüedad, algunas han sido reconstruidas con nuevos colores y otras tienen la misma apariencia que hace 30 años.
¿Cuántas personas entraron a ese lugar que alguna vez fue llamado hogar?
Estas son algunas de las muchas puertas que llamaron la atención, apreciando e imaginando que había adentro, de que color era la sala, las habitaciones, que aspecto tenían los sillones y lo inevitable que era preguntarse «¿Cuánta vida hubo ahí?»
Los multiversos han arrasado en la pantalla grande durante los últimos años, tanto que la película que más premios Óscar se ha llevado este año, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, trata precisamente sobre un multiverso lleno de los elementos más absurdos que te puedas imaginar. Esta obra de arte es Todo en Todas Partes al Mismo Tiempo, una película que todas las personas deberíamos ver no solo por lo entretenida, graciosa y estéticamente hermosa que es, sino también por la diversidad de mensajes que hay dentro de ella.
Así que, en un espacio libre de spoilers pero no libre de motivos para verla, estas son las razones por las cuales ver la obra maestra de los Daniels: Todo en Todas Partes al Mismo tiempo.
¿De qué trata?
La historia comienza con Evelyn Wang, una mujer de origen Chino que reside en Estados Unidos con su esposo Waymond y su hija Joy. La familia vive gracias a su lavandería en California, por la cual han sido auditados ante el Servicio Interno de Impuestos. La relación entre la familia es peculiar: Evelyn tiene conflictos con su hija porque no los visita, por ser lesbiana y porque “está engordando”; el matrimonio con Waymond parece solo ir de mal a peor, además de que el padre de Evelyn se está quedando en su casa, lo que la estresa más de lo usual para intentar hacer las cosas perfectas ante sus ojos.
Waymond, Evelyn y su padre acuden a la cita en el IRS para revisar el tema de sus impuestos, y es en este edificio cuando el multiverso comienza a cruzarse en la vida de Evelyn. Dentro del elevador, Waymond se convierte en Alpha-Waymond, una versión distinta de él mismo proveniente del Alphaverso, donde la difunta Alpha-Evelyn creó un sistema para dar “saltos” que permiten a una persona adquirir habilidades de su misma persona en universos paralelos. Alpha-Waymond está en una misión buscando a la Evelyn que ya conocemos ya que parece ser la única capaz de derrotar a Jobu Tupaki, quien amenaza al multiverso entero. A partir de aquí, vemos a Evelyn aprender a usar los saltos del multiverso, adquiriendo habilidades de las Evelyn que aparentemente triunfaron más en sus vidas volviéndose actriz de cine, experta en artes marciales, una renombrada chef y hasta cantantes. En su camino por evitar que Jobu Tupaki destruya el multiverso al poner todo dentro de un bagel, Evelyn comienza a aprender más de sí misma y de las personas que la rodean, aproximándose a distintas filosofías y valores que recorren la historia de una manera en absoluto aburrida.
¿Por qué es “buena”?
No hay tanta subjetividad en ninguna frase como en “esta película es buena” o “esta película es mala”. El buen filme para algunos puede no serlo para otros, pero eso no les arrebata las características que las hacen ser trabajos asombrosos para algún grupo de personas.
Todo en Todas Partes al Mismo Tiempo es una película sin un solo género. Podemos considerarla una comedia dramática, un romance, melodrama, artes marciales e incluso ficción de lo absurdo. Esto mismo es lo que la convierte en una película divertida dentro de lo absurdo, y también la razón por la que hay tantos mensajes que podemos llevarnos de ella. La familia Wang aprende nuevas formas de amar y escucharse mutuamente, usando la bondad, la empatía y el amor propio para ello.
Dentro de la parte técnica, Todo en Todas Partes cuenta con un simbolismo visual que complementa el storytelling por medio del creativo maquillaje, vestuario, objetos en las escenas que tienen más significado del que pensamos y claro que también los encuadres de la cinematografía que nos hacen darnos cuenta de lo que está pasando con solo apreciar un segundo de cada escena.
Después de ver en múltiples ocasiones la película, es imposible no notar que cada elemento utilizado para la creación de esta película está pensado con delicadeza para significar algo aunque en apariencia sean absurdos, como un par de ojos de plástico o tener dedos de salchicha.
Algo que los Daniels, directores de la película, incluyeron en la historia fueron múltiples referencias a elementos de la cultura del cine. Desde la película Ratatouille de Disney hasta las películas orientales de artes marciales. Lo interesante es que estas referencias no solamente hacen pequeñas apariciones, sino que se convierten en parte activa de la trama contribuyendo a que la historia avance.
Todo en Todas Partes al Mismo Tiempo utiliza las mejores herramientas del storytelling para contar una historia sencilla y divertida dentro de lo absurdo, pero a la vez tocando temas profundos de una manera fácil de entender y a la vez atractiva, incluso cuando son incontables los mensajes que la premisa otorga.
Cualquier persona que vea la película podrá tomar uno o más mensajes distintos: el núcleo familiar, la importancia de escuchar a las demás personas, el nihilismo junto a la belleza que hay en el “nada importa”, disfrutar tu vida tengas lo que tengas… una lista interminable que se resume en lo agradable que es vivir. Básicamente podría decirse que cuenta con una «premisa eterna», pues cada persona puede tomar distinto mensaje.
En definitiva, Todo en Todas Partes es una película que ninguna persona puede perderse, ya que hay tantos elementos que la hacen una obra maestra del cine de esta época. Y aunque al final toda película es subjetiva, no habrá persona que no se lleve algo de esta grandiosa historia.
Referencias:
The Take (16 de junio 2022). What Everything Everywhere All At Once is REALLY saying | Symbolism and Ending Explained [Archivo de Vídeo]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=YdLApQ8tVFE
¡Las josefinadas 2023 llegaron a la UCEM! A partir de la inaguración que se llevó a cabo el 10 de marzo, comenzó esta famosa competencia entre estudiantes de todas las carreras y todos los niveles.
Canto, danza, fútbol, basquetbol, expresión artística, fotografía, volleyball y muchas otras actividades fueron organizadas para que alumnas y alumnos de las planillas roja, verde, amarilla y azul compitieran.
Estas son algunas de las fotografías que el Laboratorio de Periodismo capturó de las actividades llevadas a cabo durante la semana de josefinadas.
Febrero ha terminado, y dejó consigo distintas formas de demostrar amor por las calles. Estas son algunas de las tantas muestras de amor que se pudieron ver estos días por las calles de San Luis Potosí.
Cientos de directores pueden contar la historia de un lobby boy que se convirtió en el dueño de un prestigioso hotel, pero solo hay un director que utilizaría el storytelling a su favor para contar la misma historia empezando con la sencilla caminata de una chica cualquiera que se acerca a un monumento dedicado a un escritor, que escribió la historia del dueño del Gran Hotel Budapest, quien inició siendo un lobby boy.
Se trata del peculiar director Wes Anderson, la cabeza creativa detrás de artísticas obras cinematográficas como Isla de Perros, El Fantástico Señor Fox, Moonrise Kingdom, El Gran Hotel Budapest, entre muchas otras que han sido nominadas a varios premios, llevándose algunos de ellos bien merecidos.
Cualquier espectador de su trabajo puede notar que existen peculiaridades únicas de las películas que crea este asombroso director. Y a pesar de que es imposible no encontrar la huella de Anderson en cada frame de su filmografía entera, no es tan sencillo especificar cuáles son esos elementos que lo hacen tan especial así como es fácil sentirlos.
Desde los primeros trabajos noventeros de Wes Anderson es posible encontrar una interesante simetría en la composición de la fotografía. A diferencia de las composiciones clásicas del cine de Hollywood en las que se intenta hacer ver la escena lo más natural posible, Anderson genera encuadres relativamente planos y fijos que se sienten como una escenografía teatral, con cada objeto en su lugar fijo como una pintura renacentista si tuviera el orden del cubismo. Añade a esto su gusto por colocar a sus personajes en el centro, figurando un punto de fuga en múltiples de sus escenas. A este tipo de composición se le llama Planimetric composition, puesto que la cámara es colocada perpendicularmente a los elementos en la escena haciéndolos lucir bidimensionales.
Complementando esta composición tan equilibrada que podría ser llamada perfecta, está algo llamado Compass point editing, es decir un movimiento de cámara que suele moverse en ángulos de 90 grados manteniendo su composición. Es decir, la cámara localizada en el centro haciendo un paneo.
El balance en la estética de Wes Anderson también es encontrable en los colores. No todas sus películas utilizan la misma paleta de colores, pero sí suele inclinarse por tonos cálidos y amarillos, aunque siempre hace elección de una paleta específica para cada filme, lo cual hace que cada una tenga características únicas.
Estos elementos fortalecen la peculiar estrategia de storytelling de la que hablábamos al inicio. Es parte del estilo del director no solo contar su historia, sino mostrar a alguien contándola. Es decir, utilizando narradores así como en El Gran Hotel Budapest. Por ejemplo Rushmore, uno de sus primeros grandes éxitos, utiliza elementos visuales como cortinas de teatro para separar algunas escenas y actos de la historia. Thomas Flight (2022) define esta estrategia como un Naturalismo presente en la narrativa. En Moonrise Kingdom hay un narrador omnisciente que también está presente en el espacio donde se llevan a cabo los hechos de la historia.
Wes Anderson es un joven director de esta nueva época del cine que definitivamente ha utilizado no solo estos, sino aún más elementos para definir su estilo como la cinematografía, los vestuarios de cada personaje, el arte, montaje, entre un largo etcétera.
Este año, el cineasta tiene dos proyectos agendados: Asteroid City y The Wonderful Story of Henry Sugar. No se puede poner en duda que el director dejará muy marcado su estilo en ambas películas.
En la Universidad del Centro de México esta semana se dio la inauguración en el marco de la XXVII semana nacional compartiendo esfuerzos con AA, con el tema del Alcoholismo y los medios de comunicación y la importancia de los medios de comunicación en la trasmisión del mensaje de Alcohólicos Anónimos del 23 al 29 de enero del presente.
Miembros del Presídium en el mensaje del delegado Juan Carlos C.
El evento dio inicio con la presentación del presídium, en representación del Dr. Daniel Acosta Díaz de León secretario de salud de SLP, Lic. Silvia Corpus Nájera; en representación de la Lic. Ruth Gonzales Silva presidenta de la junta directiva del sistema integral de la familia DIF, Virginia Zúñiga Maldonado; Juan Carlos C Delegado del área San Luis Potosí 1 de la Central Mexicana de Alcohólicos Anónimos.
General Mario Arturo Fuentes Guevara Médico Cirujano; en representación de la Dra. María Guadalupe Vázquez Corona sub delegada estatal del ISSSTE, Lic. Gerardo Palomo Rodríguez; en presentación del Lic. Jesús Ernesto de la Maza Jiménez delegado estatal de Cruz Roja Mexicana, Técnico en Urgencias médicas Víctor Alejandro Morales Méndez y nuestra vicerrectora académica Mtra. Michel Josefina Teniente Avilés nos dio el mensaje de bienvenida a todas y todos los presentes.
Alumnos y personal de la universidad
Llegando al mensaje sobre Alcohólicos Anónimos en palabras de Juan Carlos C. y teniendo un testimonio conmovedor por parte de Georgina A sobre su experiencia de vida ante el consumo del alcohol, las drogas y su recuperación. Concluyendo así el evento con el acto inaugural de la Lic. Silvia Corpus Nájera y poder dar pie a la conferencia brindada por la Mtra. Daniela Vidal Noriega con “El alcoholismo y los medios de comunicación”.
Toda ciudad cuenta con letreros en cada calle para poder identificar el nombre de estas. Que la calle Carranza, Avenida Universidad, Himno Nacional, entre muchas otras.
Una peculiaridad de las calles del centro histórico de San Luis Potosí, es que los actuales nombres de las calles suelen ir acompañados por un pequeño letrero que nos recuerda el nombre que esa calle tuvo décadas o incluso siglos atrás.
Estos son algunos de los muchos que pueden ser encontrados por peatones en las viejas calles de la ciudad.
Un espectáculo de la intermitente neblina es lo que recibirá a cada visitante que cruce su camino en Zacatlán de las manzanas y en Honey, Puebla. Tanto en el centro de los pueblos como en las extremidades de la naturaleza es posible apreciar esta maravilla representativa del estado.
Una mujer francesa preocupada por una posible enfermedad va observando lo que pasa a su alrededor mientras da un paseo por París… parece una historia simple, pero Agnès Varda logró convertirla en una película clásica del existencialismo francés de los 60’s, digna de ser denominada como precursora de un existencialismo femenino: cuestionarse el papel que una tiene durante lo dolorosa que puede ser la existencia, así como llegar a la realización de quiénes somos y por qué lo somos.
Esta es Cléo de 5 a 7, película de 1962 que muestra un día lleno de angustia en la vida de Cléo, una joven cantante en la espera de sus resultados médicos para saber si tiene cáncer. Después de irse a leer las cartas del tarot, la angustia y el miedo a la muerte agobian aún más a la artista, generando una crisis en su cabeza desde que se ve en el espejo y siente cómo su vida entera y su razón de existir han cambiado.
Durante la película, vemos a Cléo durante ese día de su vida observando lo que ocurre a su alrededor: las personas paseando, magos haciendo trucos por unas monedas en las calles, accidentes automovilísticos, clases de pintura, entre muchas otras cosas. Pero no es únicamente seguirla en un día angustiante de su vida, sino sentir la angustia con ella. Cléo connota cómo sin su belleza y carisma deja de sentirse ella, y cómo le frustra que personas a su alrededor no la tomen en serio ni a ella o a su enfermedad por su cualidad de mujer.
Por medio del lenguaje cinematográfico de fotografía y simbolismo, Agnès Varda ha logrado transmitir lo melancólico que puede ser existir. Y es que desde mediados del siglo pasado hasta el cine actual, ha aumentado la representación del nacimiento de un pensamiento existencialista en las mujeres. La melancolía y la frustración por la realidad acompañadas por una aparente soledad también se ven en personajes creados por directoras de estas últimas décadas como Sofia Coppola, Céline Sciamma o Greta Gerwig. Directoras y escritoras como ellas han dado espacio a películas en las que hay una verdadera construcción de personajes femeninos vistos desde las mismas mujeres, logrando que la voz y presencia de las mujeres tenga su lugar en el cine.
Cuarto Alterno 