¿Que significa ver una película de Wes Anderson?

Por Sara Perval

Cientos de directores pueden contar la historia de un lobby boy que se convirtió en el dueño de un prestigioso hotel, pero solo hay un director que utilizaría el storytelling a su favor para contar la misma historia empezando con la sencilla caminata de una chica cualquiera que se acerca a un monumento dedicado a un escritor, que escribió la historia del dueño del Gran Hotel Budapest, quien inició siendo un lobby boy.

Se trata del peculiar director Wes Anderson, la cabeza creativa detrás de artísticas obras cinematográficas como Isla de Perros, El Fantástico Señor Fox, Moonrise Kingdom, El Gran Hotel Budapest, entre muchas otras que han sido nominadas a varios premios, llevándose algunos de ellos bien merecidos.

Cualquier espectador de su trabajo puede notar que existen peculiaridades únicas de las películas que crea este asombroso director. Y a pesar de que es imposible no encontrar la huella de Anderson en cada frame de su filmografía entera, no es tan sencillo especificar cuáles son esos elementos que lo hacen tan especial así como es fácil sentirlos.

Desde los primeros trabajos noventeros de Wes Anderson es posible encontrar una interesante simetría en la composición de la fotografía. A diferencia de las composiciones clásicas del cine de Hollywood en las que se intenta hacer ver la escena lo más natural posible, Anderson genera encuadres relativamente planos y fijos que se sienten como una escenografía teatral, con cada objeto en su lugar fijo como una pintura renacentista si tuviera el orden del cubismo. Añade a esto su gusto por colocar a sus personajes en el centro, figurando un punto de fuga en múltiples de sus escenas. A este tipo de composición se le llama Planimetric composition, puesto que la cámara es colocada perpendicularmente a los elementos en la escena haciéndolos lucir bidimensionales. 

Complementando esta composición tan equilibrada que podría ser llamada perfecta, está algo llamado Compass point editing, es decir un movimiento de cámara que suele moverse en ángulos de 90 grados manteniendo su composición. Es decir, la cámara localizada en el centro haciendo un paneo. 

El balance en la estética de Wes Anderson también es encontrable en los colores. No todas sus películas utilizan la misma paleta de colores, pero sí suele inclinarse por tonos cálidos y amarillos, aunque siempre hace elección de una paleta específica para cada filme, lo cual hace que cada una tenga características únicas.

Estos elementos fortalecen la peculiar estrategia de storytelling de la que hablábamos al inicio. Es parte del estilo del director no solo contar su historia, sino mostrar a alguien contándola. Es decir, utilizando narradores así como en El Gran Hotel Budapest. Por ejemplo Rushmore, uno de sus primeros grandes éxitos, utiliza elementos visuales como cortinas de teatro para separar algunas escenas y actos de la historia. Thomas Flight (2022) define esta estrategia como un Naturalismo presente en la narrativa. En Moonrise Kingdom hay un narrador omnisciente que también está presente en el espacio donde se llevan a cabo los hechos de la historia.

Wes Anderson es un joven director de esta nueva época del cine que definitivamente ha utilizado no solo estos, sino aún más elementos para definir su estilo como la cinematografía, los vestuarios de cada personaje, el arte, montaje, entre un largo etcétera.

Este año, el cineasta tiene dos proyectos agendados: Asteroid City y The Wonderful Story of Henry Sugar. No se puede poner en duda que el director dejará muy marcado su estilo en ambas películas.

Referencias

Wikipedia. (2023, 30 de enero). The Grand Budapest Hotel. Wikipedia.org. https://en.wikipedia.org/wiki/The_Grand_Budapest_Hotel

Marley, F. (2022, 26 de marzo). The Cinematic Style of Wes Anderson. Making Waves Film Festival. https://makingwavesfilmfestival.com/the-cinematic-style-of-wes-anderson/

Animation Magazine. (2023, 23 de enero). Both Wes Anderson’s 2023 Movies Will Include Animation.  https://www.animationmagazine.net/2023/01/both-wes-andersons-2023-movies-will-include-animation/

Tomas Flight. (9 de octubre de 2020). Why Do Wes Anderson Movies Look Like That? YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=ba3c9KEuQ4A

Cléo de 5 a 7 y el existencialismo femenino en el cine

Por Sara Perval

Una mujer francesa preocupada por una posible enfermedad va observando lo que pasa a su alrededor mientras da un paseo por París… parece una historia simple, pero Agnès Varda logró convertirla en una película clásica del existencialismo francés de los 60’s, digna de ser denominada como precursora de un existencialismo femenino: cuestionarse el papel que una tiene durante lo dolorosa que puede ser la existencia, así como llegar a la realización de quiénes somos y por qué lo somos.

Esta es Cléo de 5 a 7, película de 1962 que muestra un día lleno de angustia en la vida de Cléo, una joven cantante en la espera de sus resultados médicos para saber si tiene cáncer. Después de irse a leer las cartas del tarot, la angustia y el miedo a la muerte agobian aún más a la artista, generando una crisis en su cabeza desde que se ve en el espejo y siente cómo su vida entera y su razón de existir han cambiado.

Durante la película, vemos a Cléo durante ese día de su vida observando lo que ocurre a su alrededor: las personas paseando, magos haciendo trucos por unas monedas en las calles, accidentes automovilísticos, clases de pintura, entre muchas otras cosas. Pero no es únicamente seguirla en un día angustiante de su vida, sino sentir la angustia con ella. Cléo connota cómo sin su belleza y carisma deja de sentirse ella, y cómo le frustra que personas a su alrededor no la tomen en serio ni a ella o a su enfermedad por su cualidad de mujer.

Por medio del lenguaje cinematográfico de fotografía y simbolismo, Agnès Varda ha logrado transmitir lo melancólico que puede ser existir. Y es que desde mediados del siglo pasado hasta el cine actual, ha aumentado la representación del nacimiento de un pensamiento existencialista en las mujeres. La melancolía y la frustración por la realidad acompañadas por una aparente soledad también se ven en personajes creados por directoras de estas últimas décadas como Sofia Coppola, Céline Sciamma o Greta Gerwig. Directoras y escritoras como ellas han dado espacio a películas en las que hay una verdadera construcción de personajes femeninos vistos desde las mismas mujeres, logrando que la voz y presencia de las mujeres tenga su lugar en el cine. 

Cinética

T4. Ep. 1 Del Toro y La Forma del Agua

Arrancamos la cuarta temporada con la nueva película dirigida y escrita por el cineasta mexicano Guillermo Del Toro, La Forma del Agua.


T3. Ep 6. La Mujer Maravilla

En este episodio comentamos acerca de la película La Mujer Maravilla (2017), dirigida por Patty Jenkins y protagonizada por Gal Gadot y Chris Pine.


T3. Ep 5. El legado de Kubrick, en Mentes Ruidosas 3

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T3. Ep 4. Hablemos de Moonlight

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T3. Ep 3. Algunas más de los oscares

En nuestro segundo episodio de la tercera temporada del podcast Cinética, hablaremos de algunas películas que sino fueron tan mencionada en los Oscares también fueron premiadas o nominadas en distintas categorías.

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T3. Ep 2. «La la land» y los oscares

En nuestro segundo episodio hablamos de los aciertos y desaciertos de una de las películas más mencionadas en el camino a el premio oscar «La la land» una película de Damien Chazelle.

 

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T3. Ep 1. ‘Silencio’ por Martin Scorsese

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EL CINE COMO RETRATO SOCIAL DE DOS PAÍSES MÉXICO-ALEMANIA “GUTEN TAG RAMÓN”

Por: Yulieth Delgado Sánchez
Coordinador de Ciencias de la Comunicación UCEM
Encargada del Laboratorio de Periodismo UCEM

Guten Tag Ramón Poster

No alcanza el tintero para dejar de mencionar todas esas historias que nos hablan de los que se “van” en busca de nuevas oportunidades, en muchas ocasiones obligados por la cruda realidad de un país en el que las condiciones del pueblo y su desarrollo no han logrado hacer crecer fuentes de empleo que permitan obtener un salario digno. Tampoco es desconocido que en estas poblaciones la manera de obtener un ingreso es siendo parte del negocio del narcotráfico. En estos retratos sociales la familia tiene un gran peso ya que por tradición o como única opción lo que sigue es, migrar.  

Sin duda el cine permite viajar a otras latitudes y descubrir prácticas culturales, modos de convivencia, ideologías que posiblemente son muy ajenas a nuestra cultura, y lo más complejo e interesante, aquellos encuentros con otros seres humanos.  Hablando de registros documentales en la historia del cine, gracias a los hermanos Lumiere con una de las películas más famosas “La Llegada del Tren” (París 1985) durante décadas nos han permitido mediante éstas imágenes en movimiento conocer a esa sociedad parisense de aquella época. Aunque no pertenecen al mismo género las cintas “La llegada del tren” y “Guten Tag Ramón” tienen algo en común: contribuir a la construcción de nuestra realidad y dejar un precedente histórico.   Seguir leyendo